Anmerkung zum Latent Space
Der Latent Space in der künstlichen Intelligenz beschreibt einen abstrakten numerischen Raum, der die wesentlichen Merkmale von Daten in kompakter Form darstellt. Er basiert auf hochdimensionalen Vektorräumen, in denen Datenpunkte durch mathematische Vektoren repräsentiert werden. Diese Repräsentationen werden während des Trainings eines Modells erlernt und sind so gestaltet, dass sie die zugrunde liegende Struktur und Muster der Daten erfassen.
Einbettungen transformieren dabei Objekte wie Bilder oder Texte in den Latent Space und ermöglichen eine abstrakte Darstellung, in der ähnliche Datenpunkte nah beieinander liegen. Solche geometrischen Strukturen erleichtern Analysen, zum Beispiel durch die Gruppierung ähnlicher Kategorien (z. B. Bilder von Katzen oder Hunden).
Die Erstellung und Nutzung des Latent Space erfolgt durch Techniken wie Autoencoder, Variational Autoencoders (VAE) oder Principal Component Analysis (PCA). Diese Methoden reduzieren die ursprüngliche Dimensionalität der Daten, um wichtige Merkmale hervorzuheben, und nutzen Optimierungsalgorithmen wie den Gradientenabstieg, um die Parameter anzupassen. In probabilistischen Ansätzen wird der Latent Space als Wahrscheinlichkeitsverteilung modelliert, was ihn besonders flexibel macht.
Die Transformationen in den Latent Space und zurück werden durch neuronale Netze realisiert, die mit nichtlinearen Funktionen arbeiten. Dies ermöglicht es, komplexe Muster zu erfassen und in abstrakter Form zu speichern. Letztlich ist der Latent Space ein vielseitiges Werkzeug in der KI, dessen Struktur und Dimensionierung je nach Anwendungsfall angepasst werden kann, um die zugrunde liegende Information der Daten optimal zu nutzen.
–––––––––––––––––––––
Schnittstellen der Innovation: Die New York School of Poets and Artists und das Black Mountain College
Die Mitte des 20. Jahrhunderts war eine fruchtbare Zeit für avantgardistische Kunst und Poesie in Amerika, in der zwei einflussreiche Bewegungen – das Black Mountain College und die New York School of Poets and Artists – dazu beitrugen, kreative Grenzen neu zu definieren. Obwohl diese Gruppen aus unterschiedlichen Ursprüngen und Kontexten hervorgingen, teilten sie das Engagement für interdisziplinäre Experimente, Zusammenarbeit und die Ablehnung traditioneller Hierarchien in Kunst und Literatur. Ihre Beziehung spiegelt ein breiteres kulturelles Ethos der Innovation und gegenseitigen Befruchtung wider, das die Nachkriegsavantgarde in Amerika prägte.
Black Mountain College: Ein gemeinschaftliches Experiment in Kreativität
Das Black Mountain College (1933–1957), eingebettet in die ländliche Landschaft von North Carolina, war mehr als eine experimentelle Hochschule für freie Künste; es war ein Schmelztiegel für avantgardistisches Denken und interdisziplinäre Kunst. Inspiriert von der Bauhaus-Bewegung legte das College Wert auf die Integration von Kunst in den Alltag und förderte die Zusammenarbeit zwischen Poesie, bildender Kunst, Musik und Performance. Schlüsselfiguren wie die Dichter Charles Olson, Robert Creeley und Robert Duncan – die sogenannten Black Mountain Poets – entwickelten einen radikal neuen Ansatz für Verse, der durch Olsons Konzept des „projektiven Verses“ verkörpert wurde, bei dem die organische Form und der Atemfluss gegenüber der traditionellen Metrik im Vordergrund standen.
Ebenso wichtig waren die Beiträge von bildenden Künstlern wie Josef Albers, dessen Bauhaus-Lehren zur Farbtheorie das Ethos des Colleges tiefgreifend beeinflussten, Willem de Kooning und Robert Rauschenberg, deren visuelle Innovationen den abstrakten Expressionismus neu definierten, sowie der Komponist John Cage und der Choreograf Merce Cunningham, die den Zufall und die Unbestimmtheit nutzten, um die Grenzen zwischen Klang, Bewegung und Raum zu verwischen. Die gemeinschaftliche Atmosphäre des Black Mountain College schuf einen Raum, in dem Kunst nicht auf einzelne Kategorien beschränkt war, sondern als ganzheitlicher Prozess der Erkundung und des Ausdrucks behandelt wurde.
Die New York School: Urbane Energie und spielerisches Experimentieren
Während das Black Mountain College in seiner abgeschiedenen ländlichen Umgebung florierte, entstand die New York School of Poets and Artists aus der geschäftigen, frenetischen Energie des New York City der 1940er bis 1960er Jahre. Dieses lose Dichterkollektiv – Frank O'Hara, John Ashbery, Kenneth Koch und Barbara Guest – war in der dynamischen Kulturlandschaft der Stadt verwurzelt und teilte künstlerische Affinitäten mit den bildenden Künstlern der New York School, darunter Jackson Pollock, Mark Rothko und de Kooning. Beeinflusst vom Surrealismus, Modernismus und der Spontanität des Jazz und des abstrakten Expressionismus war ihr Werk von urbaner Sensibilität, Verspieltheit und Ironie geprägt.
Für die Dichter der New York School war die Zusammenarbeit mit bildenden Künstlern von zentraler Bedeutung für ihre kreative Praxis. Frank O'Hara beispielsweise arbeitete eng mit den Malern Grace Hartigan und Larry Rivers zusammen und schuf Werke, bei denen es ebenso sehr um den Akt der Kommunikation zwischen den Disziplinen ging wie um das fertige Produkt. Ihre Poesie spiegelte oft die fließenden, improvisierten Techniken des abstrakten Expressionismus wider, was zu dem führte, was O'Hara als „Personismus“-Ansatz bezeichnete – Poesie als intimes Gespräch statt als große philosophische Aussage.
Verbindungen: Gemeinsame Philosophien und gegenseitige Befruchtung
Trotz ihrer geografischen und tonalen Unterschiede waren das Black Mountain College und die New York School durch sich überschneidende Ideen, gemeinsame Figuren und einen interdisziplinären Ethos eng miteinander verbunden. Künstler wie Willem de Kooning und Robert Rauschenberg überbrückten beide Welten, indem sie zu den gemeinsamen Experimenten am Black Mountain College beitrugen und gleichzeitig eine zentrale Rolle in der New Yorker Kunstszene spielten. Ebenso beeinflussten John Cage und Merce Cunningham, die zu den Gründungsfiguren von Black Mountain gehörten, die kreative Gemeinschaft in New York durch ihre experimentellen Ansätze in Bezug auf Komposition und Bewegung nachhaltig.
Der Einfluss des abstrakten Expressionismus war ein weiterer wichtiger Verbindungspunkt. Beide Gruppen nahmen seine Spontaneität und die Betonung des Prozesses gegenüber dem Produkt auf, obwohl sie diese Prinzipien auf unterschiedliche Weise anwendeten. Am Black Mountain College übersetzte Olsons „Open Field“-Poetik die expansive, gestische Energie des abstrakten Expressionismus in Verse, während die Dichter der New York School dessen improvisatorische Qualität in ihrem witzigen, informellen und gesprächigen Ton widerspiegelten. Diese gemeinsame Ästhetik markierte eine Ablehnung starrer Formen und Hierarchien und umfasste stattdessen eine Kunst, die dynamisch, offen und tief in den Akt der Schöpfung eingebunden war.
Unterschiede: Ländlich vs. städtisch, Ernsthaftigkeit vs. Verspieltheit
Obwohl ihre philosophischen Ausrichtungen von Bedeutung waren, unterschieden sich die beiden Bewegungen auch in wichtigen Punkten. Die ländliche, gemeinschaftliche Umgebung des Black Mountain College förderte einen ernsthaften, fast klösterlichen Ansatz in der Kunst als Mittel zur Erforschung von Bewusstsein und Form. Im Gegensatz dazu eignete sich die städtische Umgebung der New York School für eine leichtere, ironischere Sensibilität, die das Chaos und die Unmittelbarkeit des Stadtlebens zelebrierte. Dieser unterschiedliche Tonfall spiegelt nicht nur ihre geografischen Umgebungen wider, sondern auch ihre kulturellen Kontexte – das Black Mountain College war ein Rückzugsort vom Mainstream, während die New York School im Herzen des Mainstreams florierte.
Die Beziehung zwischen der New York School of Poets and Artists und dem Black Mountain College ist ein Beispiel für die Vernetzung der amerikanischen Avantgarde-Bewegungen in der Mitte des 20. Jahrhunderts. Obwohl sie sich in ihren Ursprüngen und Stilen unterschieden, teilten diese Gruppen ein Ethos des interdisziplinären Experimentierens, der Zusammenarbeit und der Bereitschaft, Konventionen in Frage zu stellen. Indem sie die Grenzen zwischen Poesie, bildender Kunst, Musik und Performance aufhoben, trugen sie dazu bei, die Möglichkeiten des kreativen Ausdrucks in einer sich schnell verändernden Nachkriegswelt neu zu definieren. Zusammen repräsentieren sie zwei Facetten desselben avantgardistischen Geistes, der Künstler und Schriftsteller weiterhin dazu inspiriert, die Grenzen ihrer Disziplinen zu erweitern.
–––––––––––––––––––––
The New York School, a collective of avant-garde poets, painters, and musicians, emerged in 1940s and 1950s New York City, leaving an indelible imprint on modern art, literature, and music. Defined by spontaneity, collaboration, and a radical rejection of traditional forms, this movement brought together some of the most innovative creative minds of the time. Among them were poets like Frank O’Hara, John Ashbery, Kenneth Koch, and Barbara Guest, whose works were deeply intertwined with the explosive energy of abstract expressionist painters such as Jackson Pollock, Willem de Kooning, Robert Motherwell, and Franz Kline, as well as trailblazing musicians like John Cage, Morton Feldman, and David Tudor. The rich cross-pollination of ideas and mediums fostered a dynamic space for artistic experimentation.
Frank O’Hara, a defining voice of New York School poetry, captured the vibrant pulse of urban life in his work. His celebrated collection Lunch Poems brims with the immediacy of daily experiences, blending the rhythms of city streets with the intimacy of friendships and the glamour of the art world. John Ashbery’s poetry, by contrast, is famously elusive and complex, echoing the abstract expressionism of his painter friends. His collaborations with visual artists like Jane Freilicher reveal an intricate dialogue between word and image. Kenneth Koch’s exuberant, humorous verse mirrors the wit and color of his collaborations with artists such as Larry Rivers and Alex Katz. Meanwhile, Barbara Guest’s refined and abstract poetry elegantly distills her engagement with visual aesthetics, embodying a profound affinity for the art world’s conceptual energy.
The painters of the New York School drew reciprocal inspiration from their poetic peers. Jackson Pollock’s iconic drip paintings, with their emphasis on process and improvisation, resonated with the poets’ embrace of spontaneity. Willem de Kooning’s bold, gestural canvases, alive with dynamic movement, deeply influenced poets like O’Hara, creating a dialogue that bridged visual and literary expression. Robert Motherwell’s works, steeped in literary and philosophical themes, epitomized the synthesis of word and image, while Franz Kline’s stark, elemental compositions mirrored the experimental ethos of New York School poetry.
In music, John Cage emerged as a visionary avant-garde composer, embodying the movement’s experimental spirit. His use of chance and indeterminacy paralleled the fluid, unstructured techniques of his painter and poet contemporaries. Morton Feldman, a minimalist composer, drew aesthetic inspiration from abstract expressionist painters such as Pollock and Philip Guston, embedding their visual vocabulary into his music. David Tudor extended this spirit through his groundbreaking performances and collaborations, working alongside Cage and other artists to dissolve the boundaries between sound, vision, and text.
At its heart, the New York School thrived on its interdisciplinary ethos. Poets wrote about the paintings of their friends, painters found muses in the poets’ words, and musicians wove the spontaneity of both into their compositions. Informal gatherings at Greenwich Village’s Cedar Tavern or loft studios served as fertile grounds for idea exchange, while formal collaborations—illustrated books, joint exhibitions—cemented their shared legacy. This interplay of art forms not only defined the movement but also seeded innovations that continue to inspire today.
Strikingly, the New York School’s interdisciplinary dynamism evokes parallels to the Renaissance ideal of Disegno, the unifying concept of design that bridged the visual arts with intellectual inquiry. In Renaissance Italy, particularly Florence, Disegno encompassed both the physical act of drawing and the intellectual process of conceptualization, serving as the foundation for painting, sculpture, and architecture. This holistic approach to art-making echoes the New York School’s synthesis of diverse forms of creativity.
Leonardo da Vinci epitomized the Renaissance ideal, merging art, science, and philosophy through his detailed anatomical studies and visionary inventions, all anchored in the discipline of drawing. Michelangelo, likewise, infused his masterpieces—such as the Sistine Chapel—with a seamless integration of visual splendor and philosophical depth. Giorgio Vasari, both artist and chronicler, celebrated this interconnected artistry in his seminal Lives of the Most Excellent Painters, Sculptors, and Architects, which championed Disegno as the engine of artistic innovation.
Renaissance artists often collaborated with philosophers and scientists to enrich their work. Raphael, for instance, worked closely with humanists like Baldassare Castiglione, embedding humanist ideals into the harmonious elegance of his paintings. Similarly, the New York School drew upon contemporary philosophical movements such as existentialism and phenomenology, exploring themes of individual perception and lived experience. These philosophies informed the movement’s emphasis on spontaneity, subjectivity, and the personal nature of artistic creation.
At their cores, both Renaissance Disegno and the New York School share a commitment to erasing boundaries between disciplines. In Renaissance workshops and studios, much like in the New York City lofts and taverns, collaboration and intellectual exchange flourished. Both periods were marked by an intense engagement with the philosophical undercurrents of their times, yielding revolutionary works that pushed the limits of creative expression.
In sum, the New York School and Renaissance Disegno represent two extraordinary moments in cultural history, united by their interdisciplinary ambition and legacy of innovation. Both movements reveal the transformative power of collaboration across artistic and intellectual boundaries, reminding us that creativity thrives most vividly in dialogue with others. Their enduring influence continues to shape contemporary art, underscoring the timeless vitality of shared inspiration.
–––––––––––––––––––––
Disegno and Poetry
In the Renaissance, poetry and Disegno were closely intertwined and often seen as complementary forms of artistic expression. Both poetry and Disegno were highly valued as means of conveying ideas, emotions, and aesthetic ideals during this period.
One significant aspect of their relationship was the concept of "ut pictura poesis" (as is painting, so is poetry), which suggested that poetry and painting shared similar goals and techniques. This idea originated from the ancient Roman poet Horace and was revived and embraced by Renaissance thinkers and artists such as Leonardo da Vinci, Michelangelo, and Raphael. It implied that both poetry and painting should aspire to evoke emotions, tell stories, and capture the essence of their subjects with skill and artistry.
Furthermore, many Renaissance artists and poets were influenced by classical texts and ideas, which often intertwined poetry with visual arts. For example, the mythological narratives found in works like Ovid's "Metamorphoses" inspired both poets and painters to create their own interpretations of these stories, blurring the lines between verbal and visual representations.
Additionally, patrons of the arts in the Renaissance often commissioned both poets and painters to collaborate on projects, such as decorating palaces or churches with both visual and textual elements. These collaborations further reinforced the connection between poetry and disegno as complementary forms of expression.
Overall, in the Renaissance, poetry and Disegno were deeply interconnected, with both forms of artistry influencing and enriching each other in the pursuit of aesthetic and intellectual expression.
Here are some examples of artists and poets from the Renaissance period who exemplify the close relationship between poetry and Disegno:
1. Michelangelo Buonarroti: Michelangelo was not only a renowned sculptor and painter but also a poet. His poetry often explored themes of love, spirituality, and the human condition, reflecting the same depth of emotion and insight found in his visual artworks. Michelangelo's poetic works, such as his sonnets and madrigals, reveal his mastery of language and his ability to convey profound thoughts and feelings.
2. Leonardo da Vinci: Leonardo da Vinci was not only a pioneering artist but also a polymath who excelled in various fields, including engineering, anatomy, and literature. He wrote extensively in his notebooks, jotting down ideas, observations, and reflections in his distinctive mirror writing. Leonardo's writings often accompanied his sketches and drawings, demonstrating how his disegno and his thoughts on science, nature, and the human body were interconnected.
3. Raphael: Raphael, like his contemporaries Michelangelo and Leonardo, was not only a talented painter but also a poet. He composed sonnets and other poetic works, often inspired by themes from classical mythology and literature. Raphael's poetry, like his paintings, reflects the humanist ideals of the Renaissance and demonstrates his mastery of form, style, and emotional expression.
4. Francesco Petrarca (Petrarch): Petrarch was an Italian poet and scholar whose works had a profound influence on Renaissance literature and art. His sonnets, particularly those addressed to his beloved Laura, inspired countless poets and artists with their themes of love, beauty, and longing. Petrarch's poetry, with its emphasis on classical ideals and human emotions, resonated deeply with Renaissance artists striving to capture the essence of the human experience in their visual artworks.
5. Dante Alighieri: Although Dante lived before the Renaissance period, his epic poem "The Divine Comedy" had a lasting impact on Renaissance literature and art. Dante's vivid descriptions of Hell, Purgatory, and Heaven provided rich visual imagery that inspired artists such as Botticelli, Michelangelo, and Gustave Doré to create illustrations and paintings based on his infernal journey. Dante's poetic vision and narrative skill influenced Renaissance artists in their exploration of moral, spiritual, and metaphysical themes in their own works.